Ma pratique artistique : comment ces 3 livres l’ont impactée

Peut-on transformer sa pratique artistique grâce à une simple lecture ?
Certains livres nous marquent à vie. Ils révèlent des possibles insoupçonnés, métamorphosent notre façon d’être et de créer. Pour moi, trois ouvrages ont bouleversé ma pratique créative.
Ces livres ne parlent pas tous d’art au sens strict, pourtant, chacun m’a ouvert une voie créative inattendue.
Comment un portrait dessiné peut-il devenir acte de vérité ? Pourquoi nos contradictions nourrissent-elles notre richesse créative ? De quelle manière le corps et la spiritualité influencent-ils l’art ?
Voici comment ces découvertes ont façonné Rêve Debout et mon engagement pour les arts populaires japonais.
Cet article participe à l’événement inter-blogueurs « Les 3 livres qui ont changé ma vie » du site Des Livres Pour Changer de Vie. Ce site regorge de références inspirantes, et l’un de mes articles préférés est Quel livre sur la créativité choisir ? Trois résumés de livres et avis.

I.Le Portrait de Edmond Baudouin

Pourquoi cette bande dessinée a-t-elle transformé ma démarche artistique ?
J’avais 17 ans quand j’ai rencontré Edmond Baudouin. Lycéenne, j’aidais un professeur au bon déroulement du festival de BD d’Orange. Les échanges entre l’auteur et ses lecteurs m’ont ouvert les yeux. J’ai découvert les subtilités de la création d’un genre que je connaissais mal: la bande dessinée.
Comment jouer sur le rapport texte-image ? Comment stimuler l’imaginaire du lecteur ?
Puis j’ai ouvert une de ses œuvres: une image m’a littéralement éblouie par l’irradiation de soleil! Cette lumière m’a saisie instantanément, simplement par le contraste de l’encre noire et de la feuille blanche!
Je ne me souviens plus du titre exact mais cette révélation visuelle reste gravée.
Aujourd’hui, ce moment résonne avec ma pratique artistique. Les arts populaires que j’enseigne portent cette même recherche.
Comment une création simple peut-elle toucher si profondément ? Comment transformer un processus artistique en expérience spirituelle ?

Une BD autobiographique ?

Edmond Baudouin figure parmi les pionniers de la bande dessinée d’auteur en France. Son approche intime et introspective révolutionne le genre.
« Le Portrait » synthétise parfaitement ses obsessions créatives : l’art, le doute, l’introspection, l’émotion à vif.
Que raconte cette B.D. ? Un peintre, fasciné par une jeune femme, tente inlassablement de saisir son essence sur la toile. Mais sa personnalité demeure mystérieuse. Comment restituer un portrait authentique quand le modèle échappe sans cesse ?
Cette quête artistique devient le cœur du récit. Baudouin explore la relation complexe entre créateur et modèle. Il questionne l’inspiration, la création, parfois l’échec.
La bande dessinée dévoile des thèmes universels. Le regard de l’artiste, l’idéalisation du sujet, la frustration créatrice. Autant de questionnements qui touchent tout créateur dans sa pratique artistique.

Un Style graphique et narratif lié à la culture japonaise

Edmond Baudoin est particulièrement apprécié au Japon pour plusieurs raisons :
Simplicité, sobriété et expressivité gestuelle : l’artiste dessine à l’encre de Chine. Cette approche rappelle naturellement les techniques japonaises d’encre sumi-e, où la force du trait et le minimalisme sont essentiels.
Son style est à la fois simple, spontané, et suggestif :

• Forme nouvelle de narration graphique : Baudoin est reconnu comme l’un des pionniers de la bande dessinée autobiographique. Cette sincérité et cette approche introspective, est également très présente dans les mangas seinen ou alternatifs. Cela explique son succès critique auprès de lecteurs et créateurs japonais.
• Économie du dessin et place du vide : l’art japonais traditionnel valorise le vide, l’asymétrie et la suggestion. La poésie visuelle d’Edmond Baudouin est très proche des principes esthétiques japonais : elle joue sur l’épure, le silence, les compositions ouvertes.
• Dimension méditative et introspective : le dessinateur sait adapter son récit et sa narration graphique au format japonais. Les séquences y sont plus silencieuses et contemplatives. Le temps s’étire, les émotions sont suggérées par le geste plutôt qu’explicitées par les mots. On retrouve très fortement ces caractéristiques dans le manga : l’importance des ambiances, du geste et du regard.

En quoi Le Portait de Baudoin a transformé ma pratique artistique

Pour Baudoin, réaliser un portrait devient un acte sincère. Il tente de saisir l’épaisseur de l’autre, ou de lui-même en montrant ses doutes et sa sensibilité.
Son approche a transformé ma façon de voir la création en laissant place au tremblé, à l’inachevé, au processus en train de se faire.
Cette posture d’accueil irrigue aujourd’hui ma propre création ainsi que mes ateliers et mes retraites. Je cherche à capter des fragments sincères de vie. Sans fard, sans perfectionnisme.
Mes explorations du quotidien s’accordent parfaitement à cette philosophie du sensible. Écrire un vidéo-poème, un texte autobiographique, peindre à partir de sa maladresse… Chaque pratique créative honore cette même vérité, ma vulnérabilité.

II.Portraits sociologiques – Dispositions et variations individuelles de Bernard Lahire

Une œuvre majeure sur la complexité des comportements

Publié en 2002, ce livre est une œuvre majeure qui explore la complexité des comportements. Bernard Lahire analyse, à travers une approche empirique détaillée, les attitudes des individus.
Sa méthode est fondée sur les portraits sociologiques. Il mène des entretiens approfondis et répétés avec des personnes aux trajectoires variées.
Chaque aspect de leur existence devient matière à analyse : vie quotidienne, famille, école, loisirs, santé, goûts, etc.
Cette étude transforme notre compréhension des comportements individuels.
Lahire démontre que nous ne possédons pas un caractère unique et figé. En effet, nos dispositions se forment par couches successives, selon nos expériences diverses. Elles s’activent différemment selon les contextes que nous traversons. Ces multiples facteurs expliquent nos contradictions apparentes et notre richesse comportementale.

Comment cette analyse sociologique a changé ma pratique artistique

Une méthode d’approche des personnes et des lieux

La lecture de Lahire a grandement agi sur ma façon d’aborder les personnes dans mon écriture documentaire.
Son approche plurielle m’inspire pour saisir la complexité de chaque vécu. Je m’intéresse aux détails infimes : expressions, rictus, gestes du quotidien. Ces fragments révèlent souvent plus que les grands discours.

Relativiser les contradictions apparentes

Lahire démontre que nos contradictions n’en sont pas vraiment selon les contextes.
Cette découverte a transformé ma façon d’écouter !
Quand j’interview quelqu’un, je ne cherche pas la cohérence parfaite. Quand je rencontre artistes et artisans, je cherche à comprendre comment ils en sont venus à créer. Pas seulement leur parcours linéaire, mais leurs multiples influences, leurs contradictions créatives, leurs contextes variés.
Ces variations révèlent en cela toute la richesse humaine.

Se reconnecter à soi pour libérer sa pratique artistique

Dans mes ateliers, je me sers de l’écriture sensorielle comme outil de reconnexion. L’objectif ? Que chacune se révèle à elle-même, sous ses multiples facettes. Cette reconnexion à soi libère la créativité spontanée.
Cette méthode inspirée de Lahire a contribué à libérer mon élan créatif.
Utiliser le récit de soi -ou toute démarche créative- d’après cette grille de lecture peut avoir plusieurs effets.
Elle permet de mieux se comprendre et comprendre les autres, sans juger ni simplifier les parcours de vie.
Elle m’a permis de « valider » mon parcours atypique, en apparence «dispersé». Je me suis ainsi autorisée à créer à partir de la variété de mes expériences, et cette approche créative a pris sens pour moi.
Cette posture a donné une valeur authentique à ma création.

III.Traverser les murs de Marina Abramović

Une autobiographie captivante

Marina Abramović figure parmi les artistes les plus marquantes de l’art contemporain.
Née en ex-Yougoslavie, elle réalise des performances artistiques où elle repousse toutes les limites.
Corps et spiritualité deviennent ses terrains d’exploration privilégiés.
Son autobiographie « Traverser les murs », éditée en 2017, reste le livre que j’ai le plus aimé.
Depuis, aucun ouvrage n’a détrôné celui-ci dans mon cœur de lectrice !

Ce qui m’a fascinée dans ce témoignage

Ce qui rend ce récit si captivant est d’abord, la trajectoire hors norme de cette artiste.
Marina Abramović parle de son ambition dévorante et de son absence presque totale de peur.
Elle dévoile les processus créatifs qui l’ont amenée à sa démarche artistique extrême.
Comment naît une performance ? Comment repousser ses limites physiques et mentales ? L’artiste explique tout avec une sincérité bouleversante.

J’ai adoré être plongée au cœur de la création !

L’apprentissage spirituel au service de sa pratique artistique

Son lien avec les moines tibétains m’a particulièrement touchée.
Elle montre comment cet apprentissage spirituel a nourri sa création artistique.
Cette fusion entre spiritualité et performance ouvre des perspectives créatives fascinantes.
Ce livre m’a véritablement initiée à l’art de la performance et au body art.
Des univers que je connaissais mal et qui ont élargi ma vision artistique.

L’art doit appartenir à tout le monde

En 2010, Marina Abramović réalise sa performance la plus célèbre au MOMA de New York: « The Artist is present » .
Le principe ? Rester assise, quasi immobile, six jours par semaine, sept heures par jour. La performance a duré 75 jours.
Face à elle, une chaise vide. Chaque visiteur pouvait s’installer et la regarder dans les yeux, en silence. « Papo, dit-elle, s’est fait tatouer le nombre 21 sur la main, en souvenir de ses vingt et une visites ! »

Pour moi, cette performance interroge la présence, le temps, l’échange entre artiste et public.
Mais elle révèle surtout ce qui unie les humains entre eux: la souffrance, l’espoir, l’amour.
Une visiteuse a écrit :

« J’entre sur la scène de la performance. Marina a la tête penchée. Je m’assieds en face d’elle. Elle relève la tête. Elle est comme ma sœur. Je souris. Elle sourit doucement. Nous nous regardons dans les yeux. Elle se met à pleurer. Je pleure. Je ne pense pas à ma vie, je ne pense qu’à la manière dont les gens qui se sont assis là ont affecté la sienne. Je veux lui adresser de l’amour. Je me rends compte qu’elle me donne un amour inconditionnel. »

Chrissie Iles

Les témoignages des participants révèlent l’intensité de cette expérience. Certains pleurent, d’autres méditent, tous repartent transformés.
Marina Abramović elle-même vit une révélation spirituelle :

« J’étais là pour tous ceux qui étaient là. On m’avait accordé une immense confiance –une confiance dont je n’osais pas abuser, en aucune manière. Des cœurs s’ouvraient à moi, et j’ouvrais mon cœur en échange, chaque fois […] Cette simple quantité d’amour, l’amour inconditionnel de parfaits inconnus, a été le sentiment le plus incroyable que j’ai jamais éprouvé […] J’ai commencé à être de plus en plus convaincue que l’art devait être la vie –il doit appartenir à tout le monde. J’avais le sentiment, plus puissant que jamais, que ce que j’avais créé avait un but.« 

Ainsi cette performance dépasse l’art pour devenir expérience de vie pure.

Comment ce récit personnel a transformé ma manière d’aborder l’art

Le corps comme vecteur de transformation

Marina Abramović m’a ouvert à une dimension essentielle : le corps comme vecteur de transformation et de vérité.
Franchir les « murs » extérieurs ou intérieurs, c’est expérimenter l’audace et la présence à soi. Jusque dans la vulnérabilité !
Son enseignement m’a permis d’oser ralentir le processus créatif en laissant surgir la fragilité, l’écoute sensorielle.
Cette acceptation de ma sensibilité nourrit non seulement ma puissance créatrice mais enrichit aussi ma dimension spirituelle.

Ancrer sa pratique artistique dans un processus interne

La performeuse m’a enseigné la valeur de la lenteur et de l’attention.
Dans « The Artist is Present« , elle reste immobile durant des heures, consciente de chaque respiration, de chaque sensation.
Cette leçon de présence a transformé mon processus créatif.
J’ai découvert, avec elle, l’importance de rester en présence de mes gestes, de mon état intérieur, et de mes pensées. À l’écoute de ma respiration et de mes tensions.
J’observe les sensations qui naissent en moi et mène parfois de véritables méditations actives !

Trois révélations qui ont amplifié ma pratique artistique

Chacun de ces trois auteurs m’a offert une pièce essentielle de mon parcours artistique.

Edmond Baudouin m’a appris à accueillir la vulnérabilité comme force créatrice.
Il m’a transmis la liberté de faire, la manière habile et poétique de s’adapter.

Bernard Lahire a légitimé ma pluralité créative. Il m’a ouvert la voie à une écoute plus large de l’autre, une écoute de la complexité.

Marina Abramović m’a enseigné comment le corps et la spiritualité peuvent transformer l’acte créatif. Elle m’a révélé la puissance de la lenteur consciente et ses « méditations actives » inspirent ma pratique quotidienne.

Ces trois lectures convergent vers une même vérité : la création authentique naît de l’introspection assumée et du geste simple.
Elle réconcilie, pour ma part, art populaire et quête de sens. Cette approche honore mes valeurs de liberté et de joie créative.
Sur Rêve Debout, je propose cette vision singulière de l’art. Un laboratoire d’expérimentations où chacune explore sa pluralité créative. Où l’ordinaire devient matière artistique, où la spiritualité s’ancre dans l’instant présent.

Cette démarche invite à créer autrement, au service de la connaissance de soi et du partage. Car l’art transforme autant celui qui crée que celui qui reçoit.
Et toi, quelles lectures ont transformé ton regard créatif ?
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